De 30 beste films van 2017

Van de kleine Indië tot de grote kaskrakers, het werd een heerlijk jaar voor de films.

Zoals Matt Zoller Seits zei, er is echt niet zoiets als een "slecht jaar voor films", niet als je weet waar je moet zoeken. Gelukkig hoefde je in 2017 niet ver te zoeken, want er was altijd wel iets de moeite waard om in je plaatselijke theater of op Netflix te spelen. Het lijkt er ook op dat er over het algemeen minder vreselijke films waren die we moesten doorstaan, of ze waren tenminste gemakkelijker te negeren dankzij alle betere opties. We hebben dit jaar een goede DC-film, en als dat je niet verkoopt over hoe waardevol dit jaar voor film was, weet ik niet wat dat zal doen.

Het is tijd om de liefde te verspreiden door naar de beste films van 2017 te kijken. Ik bepaal de grootte van mijn eindejaarslijst op basis van hoeveel films ik in het algemeen de moeite waard vond om te bekijken, en er was gewoon teveel dat ik zo leuk vond, dus een schamele Top 10 was gewoon niet gaat het niet snijden.

Mijn regels zijn alles. Als ik het in theaters zag, telt het, zelfs als het maar een festivalrun had of pas volgend jaar een brede release zou zien. Bijgevolg betekent dit ook indie / buitenlandse films die sommigen van jullie dit jaar zagen (zoals Raw of Your Name) op mijn lijst van vorig jaar staan, omdat ik ze toen op festivals heb gezien en deze keer niet zal worden gerangschikt. Natuurlijk kan zelfs ik niet alles zien, maar ik hoop dat deze lijst voldoende zal zijn.

Films die ik nog moet zien en die later kunnen worden toegevoegd: The Post, Phantom Thread, A Quiet Passion, The Work, Loveless, On the Beach 's nachts alleen, Mudbound, The Meyerowitz Stories, After the Storm, The Little Hours, Personal Shopper , Girl's Trip en Al deze slapeloze nachten onder anderen.

Eervolle vermeldingen: Brigsby Bear, Good Time, It, Gerald's Game, Lady Macbeth, Molly's Game en Wonder Woman.

James Gray viel nooit op als regisseur van epische verhalen, maar met The Lost City of Z is hij meer dan in staat gebleken een boeiend verhaal van obsessie op epische schaal te creëren. Aangepast uit het boek van David Grann met dezelfde naam uit 2009, volgt Z de real life exploits van Percy Fawcett, die talloze expedities leidde om een ​​verloren stad te ontdekken waarvan hij geloofde dat die in de Amazones verborgen was. De film van Gray legt de vernietigende kracht vast van de obsessie van Fawcett en onderzoekt wat dat betekende in de context van het begin van de 20e eeuw, met name met betrekking tot kolonialisme en seksisme. Het gaat diep in op wat ons drijft en waar die drive je naartoe kan brengen, en de uiteindelijke bestemming daarvan ligt misschien buiten je bereik. De film bevat ook prachtige cinematografie van Darius Khondji wiens kleurenpallet de Amazone perfect vastlegt en het gevoel van een oud portret creëert dat je op een zolder zou vinden. Het is een film die wacht om ontdekt te worden, zoals de verloren stad met titel.

Martin McDonagh is geen onbekende in het maken van ongemakkelijke maar grappige films, maar Three Billboards Outside Ebbing, Missouri neemt misschien de taart. Het is geen film die van je verwacht dat je vreselijke mensen vergeeft, maar het verwacht wel dat je empathie toont aan je medemens, hoe verafschijnlijk ze ook zijn. Het stelt ook dat gewelddadige doeleinden resultaten opleveren, maar op een gegeven moment zal het alleen maar meer geweld voortbrengen. Het is een film die de grens tussen wreed en ongevoelig wankelt, maar het komt uiteindelijk tot de conclusie dat je die wandeling toch moet maken en er is geen eenvoudig antwoord hoe dit soort problemen op te lossen. Het is een morele speeltuin die je dwingt om te confronteren met wat je verwacht en wat te denken van deze personages. Het kan je een koud gevoel geven, het werkt misschien niet eens volledig (er is een redelijk debat over de vraag of McDonagh teveel vergeving toont aan een bepaald personage en zijn visie als een witte filmmaker zijn opvattingen over bepaalde raciale elementen beperkt), maar ik voel de film verdient uiteindelijk zijn plek op deze lijst omdat hij bereid is die sprong te wagen terwijl de meesten zouden schuwen.

Ik ben tot nu toe geen fan van de Thor-films geweest. Ze hadden altijd geweldige concepten maar een slechte uitvoering. Met What We Do in the Shadows-regisseur Taika Waititi aan het roer nagelt Thor: Ragnarok gemakkelijk wat de andere films hebben gemist. De heroriëntatie op Asgard als een utopie gebouwd op kolonialisme is een geniale inslag waarmee Waititi zowel commentaar kan geven op kolonialisme in het algemeen, maar ook Thor's eigen prioriteiten kan onderzoeken en de kern kan vinden van wat hem als personage aanspoort. Waititi voegt ook een flinke dosis van zijn eigen rare humor toe, wat zorgt voor enkele van de beste grappen in elke Marvel-film tot nu toe (ik zal altijd lachen om, "Piss off ghost!"). Chris Hemsworth mag het eindelijk naar hartelust hameren en er zijn uitstekende uitvoeringen van Tessa Thompson en Mark Ruffalo om op te starten. Er is altijd de angst dat superheldenfilms oud worden, maar als Marvel ons kan blijven verrassen met films zoals deze, kunnen we er zeker van zijn dat we ons er een tijdje niet zullen vervelen.

De film kan zichzelf beschouwen als Ocean's 7/11, en ja, er is zeker iets van die humor, maar Logan Lucky is allesbehalve een karikaturale weergave van mensen uit de zuidelijke arbeidersklasse. Soderbergh, vers van zijn pensioen, laat zien dat hij zeker zijn contact niet heeft verloren als het gaat om het combineren van humor met pathos. De film volgt een paar van hun geluksbroeders die de hulp inroepen van zowel familie als criminelen om de Charlotte Motor Speedway te beroven. De gebruikelijke roofoverval-shenanigans volgen, en dat is leuk, maar wat de film doet werken is het hart in het midden van het verhaal. Deze film heeft een emotioneel middelpunt opgebouwd rond de talentenjacht van een kind, een plot dat meestal nogal gehackt is, dat je tot tranen zal brengen. Soderbergh neemt personages die het meest zouden worden afgedaan als afval van NASCAR (zelfs de personages zelf zouden dat doen), en toont de delen die je niet ziet in je typische Hollywood-film. Het is een stroom van frisse lucht die net zo leuk is als hoeveel plezier Daniel Craig lijkt te hebben die hij op het scherm heeft.

Ik ben er niet volledig van overtuigd dat The Lure als een film werkt. Het is misschien te gefragmenteerd en zowel tonaal als thematisch overal, maar geen film had dit jaar de ruwe aanwezigheid en energie die de film van Smoczynska bereikt. Het is moeilijk om zelfs te beschrijven wat het is voor starters. Het beste wat ik kan zeggen is dat het een goth-pop horror musical is van The Little Mermaid ... on crack. Elke scène gooit iets nieuws naar je toe dat minder voortbouwt op wat er van scène tot scène gebeurt, maar meer wat er emotioneel gebeurt. Een echte plot lijkt pas te verschijnen tot het laatste derde deel, wanneer het verhaal van de kleine zeemeermin duidelijker begint te worden, maar op dit punt heeft de film zijn tanden al in je hart gezonken (vrij letterlijk in de film zelf). Het is een demente sprookje waar je de weg in kwijt kunt.

Er is geen betere manier waarop Hugh Jackman zijn kijk op het Wolverine-personage had kunnen stoppen dan met Logan, wat voor het Superhero-genre is wat Unforgiven voor de western is. Het is een deconstructie die het genre blootlegt en Jackman moet vol Eastwood gaan. Het laat het genre niet achter, het is nog steeds een superheldenfilm en is hoopvoller dan op het eerste gezicht, maar dat is een deel van de reden waarom de film werkt. Wolverine en de X-men hebben misschien gefaald, maar er zullen altijd degenen zijn die de volgende komen, en als de film op iets over superheldenmedia commentaar geeft, is het dat de oude zullen uitsterven, maar ze zullen in geest voortleven met nieuwe superhelden (zelfs de deconstructie weet dat ze niet snel ergens naartoe gaan). Jackman is ook nog steeds geweldig als Logan zelf en Mangold, met een ongeremde R-rating, alles kunnen doen wat hij wil en alles wat hij wil, is geweldig goed door mij.

The Killing of a Sacred Deer is in ieder geval het bewijs van Lanthimos 'benadering van het vertellen van een extreem veelzijdige. Hij fotografeert en regisseert op dezelfde manier als zijn vorige ondernemingen, maar hoewel het The Lobster grappig maakte, maakt het deze film zenuwslopend. Op de echte Griekse manier is de film van Lanthimos een tragedie die niet beknibbelt op de pijn die zijn personages doorstaan. Er zullen lessen worden geleerd, maar dat betekent niet dat dingen zullen veranderen. Het is een donkere en cynische kijk op het hedendaagse Amerika met een geweldige en enge uitvoering van Barry Keoghan die je niet snel zult vergeten.

Er is een gezegde dat als je een geweldige filmmaker bent, je iets interessants kunt maken. Hoewel het pas zijn eerste film is, is het duidelijk dat video-essayist Kogonada's Columbus dat talent en die vaardigheid bezit. Architectuur kan een zeer droog onderwerp zijn voor diegenen die nog niet geïnteresseerd zijn, maar Kogonada verbindt het intrinsiek met deze menselijke geesten waarop de film zich richt. Het verhaal gaat over twee mensen, een die in Columbus moet blijven, maar wil vertrekken en een andere die moet vertrekken, maar het niet kan helpen om te blijven, en volgt hen bij het bespreken van architectuur en het leven. Kogonada gebruikt de architectuur om een ​​gevoel van verbinding tussen de twee te creëren, zoals twee bogen die elkaar ondersteunen. Het is ook geweldig om te zien dat John Cho zijn rechten krijgt met een geweldige leidende rol, de man is veel te lang veranderd. Dat zou reden genoeg zijn om Columbus te zien, maar de film is ook eindeloos boeiend. De dialoog vloeit zo vanzelfsprekend en weinig films hebben zo'n greep op de functionaliteit van de bioscoop, dat deze video-essays hun vruchten afwerpen in het geval van Kogonada.

Duinkerken is subversief op manieren die niet eens duidelijk zijn bij de eerste bezichtiging. Het is in de eerste plaats een oorlogsfilm waar het niet om winnen gaat, maar om overleven. Het is een belangrijk onderscheid dat de film zijn spanning geeft, ondanks het feit dat we de meeste van deze personages nauwelijks leren kennen. We weten vanaf het begin dat alle hoop verloren is gegaan in de strijd, het is gewoon een kwestie van werken om degenen die de strijd hebben te redden van totale vernietiging. Nolan legt zichzelf beperkingen op als filmmaker, van het beperken van zijn lengte tot het creëren van een harde structuur voor de film. Uiteindelijk haalt hij het beste uit al zijn medewerkers, met name componist Hans Zimmer en redacteur Lee Smith. Nolan blijft zijn beheersing van zijn vak bewijzen met waarschijnlijk zijn best geregisseerde film tot nu toe.

James Gunn verraste het publiek in 2014 met de eerste Guardians of the Galaxy, en in 2017 trok hij het kleed weer onder ons vandaan met Guardians of the Galaxy Vol. 2, een superheldenfilm rond cycli van misbruik en hoe we daarmee omgaan. Of het nu de familiedynamiek is van zussen die elkaar zijn gaan kwalijk nemen vanwege het misbruik van een vader, wrok van mensen om je heen op basis van fouten uit het verleden, of zelfs gewoon de verwaarlozing van een ouder; de diepten van menselijke emotie worden onderzocht op een manier waarop veel superheldenfilms alleen het oppervlak van krassen. Uiteindelijk wordt het de beste superheldenfilm van het jaar, met leuke uitvoeringen, geweldige regie en een geweldige soundtrack om op te starten. Het doet wat alle geweldige vervolgpartijen doen en in plaats van het origineel te traceren, bouwt het de bogen en bestaande verhalen voort en geeft het uiteindelijk ook personages als Nebula en Yondu de schuld. Het is een kaskraker en ik verwacht gretig waar Gunn de franchise blijft nemen.

Laat het maar aan Edgar Wright over aan James Gunn als het gaat om het gebruik van klassieke liedjes om zijn film te structureren. De soundtracknummers voor Baby Driver zijn sensationeel, van "Bellbottoms" tot "Brighton Rock" er was geen betere film om naar te luisteren dit jaar. Maar natuurlijk heeft Wright de leiding karbonades om zijn elektrische muziek te ondersteunen met enkele van de beste auto-achtervolgingen op film sinds Walter Hill het actie-setstuk perfectioneerde. Gooi een paar kleurrijke personages en een klassieke romantiek binnen en je hebt de ingrediënten voor een geweldige actiefilm. Niet veel te zeggen, behalve dat het een leuke tijd is die Wright nooit nalaat te leveren.

Darren Aronofsky weet zeker hoe het publiek te polariseren, en moeder! bleek geen uitzondering te zijn, misschien zelfs meer dan sommige van zijn meer onaangename films. De meeste mensen met wie ik het heb besproken, doen dit met ziedende tanden van woede, deze film zet mensen gewoon op het verkeerde been ... en ik vind het een beetje leuk. Stilistisch is het zenuwslopend, bijna volledig in close-up geschoten voor maximaal effect. Zitten in de schoenen van moeder (gespeeld tot ontmoedigende perfectie door Jennifer Lawrence) is een emotionele achtbaan die je altijd laat raden. Het is niet moeilijk om de dun versluierde metafoor van Aronofsky voor artistieke creatie te begrijpen, maar het is zeker met zo'n kracht gecommuniceerd dat je geen seconde weg kunt kijken.

Wie dacht dat we uiteindelijk op Tonya Harding zouden komen? Maar zoals ik, Tonya, opmerkt, terwijl Harding zeker een deel van de schuld kon delen voor wat er gebeurde, was ze het slachtoffer van misbruik. Eerst door haar moeder, vervolgens door haar man en vervolgens door ons. Deze whiplash in perceptie wordt weerspiegeld in de stijl van de film, die de ene seconde hard lacht en vervolgens de volgende keer overgaat in een misbruikgevecht tussen man en vrouw. Het kan op Scorsese klinken, maar het standpunt is van het karakter dat Scorsese zeker nevenactiviteit zou zijn in het voordeel van de dader. Voeg daar Margot Robbie's Oscarwaardige beurt aan toe als Harding en een geweldige ondersteunende cast waarbij Allison Janney Gods werk doet en je hebt het recept voor een geweldige biopic.

War for the Planet of the Apes maakt een einde aan de meest onwaarschijnlijke trilogie in de recente herinnering. Niemand verwachtte dat we meer geweldige Planet of the Apes-films zouden zien, laat staan ​​een trilogie met een film zo goed als War. Het is niet alleen zo dat het vastleggen van de prestaties en de prestaties van de acteurs zelf uitzonderlijk zijn, wat ze ook zijn, of dat de titulaire oorlog op de rand van je stoel spannend is. Het is dat thematisch wat War zegt over de mensheid schokkend is. Het zegt dat de mensheid misschien verdient te gaan als het niet kan leren groeien en zichzelf repareren, dat een planeet van de apen onvermijdelijk is als we niet kunnen veranderen. De oorspronkelijke Planet of the Apes liet gewoon zien dat we het verpest hebben en onszelf hebben beëindigd, War moet rechtvaardigen waarom dat sentiment getrouw aan het leven was, en Reeves doet dat met uitzonderlijke resultaten.

Ik zal nooit meer verbijsterd zijn dan hoe een film als The Room uiteindelijk zou kunnen leiden tot een bekroonde film met serieuze discussies over een nominatie voor de beste acteur bij de Oscars. Ik kon me niet voorstellen dat ik 10 jaar geleden toen ik verliefd werd op Tommy Wiseau's rare cultklassieker, ik het me nauwelijks kan voorstellen na het liefdevolle eerbetoon van James Franco te hebben gezien. Maar waarom Franco de landing kan volhouden, is omdat hij beseft wat het belangrijkste is voor het verhaal achter The Room, de relatie in het midden ervan is, tussen Greg Sestero en Wiseau zelf. Het is waarom de film niet alleen leuk is voor The Room-fans om over te gapen, het is waarom de film op zichzelf kan staan ​​als een weerspiegeling van wat artistieke inspanningen kunnen leiden wanneer je hart groter is dan je hoofd. De Disaster Artist is een knallende goede tijd die betekenis vindt onder alle yuks en maakt gebruik van dat aangeboren verlangen om te creëren, ongeacht wie je bent.

The Big Sick is een waargebeurd verhaal, maar je zult het nooit merken als je het bekijkt. Het speelt als een normale romantische komedie, maar het feit dat het een waargebeurd verhaal is, zou alleen maar bevestigen hoe echt deze personages en hun situatie voelen. Het creëert een rijke wereld waar facetten die normaal gesproken hun eigen focus zouden zijn in een bepaalde film, gewoon deel uitmaken van de grotere wereld. Kumail wordt niet alleen bepaald door zijn relatie met zijn familie en geschiedenis, hoewel dat nog steeds belangrijk is. De botsing van idealen tussen culturen staat niet centraal in het verhaal, maar het is nog steeds belangrijk om te begrijpen waarom dingen gebeuren zoals ze gebeuren. Rom Coms krijgen een slechte vertegenwoordiger, die onverdiend is, maar misschien komt het omdat zo weinig mensen begrijpen waarom hun personages zich gedragen zoals ze doen in de charmante karakterstudie van Showalter naar mensen in de kern en hoe ze daarmee omgaan.

Ik wil de plot van A Ghost Story niet uitleggen. Als alles wat je weet, het gaat over een kerel die een geest speelt door het klassieke witte laken over zijn hoofd te dragen, dan is dat alles wat je moet weten. Lowery's film is een verkenning van verlies in wat het best is omschreven als een "post-horrorfilm". Het is geen "enge" film, maar het is een angstaanjagende mooie als dat logisch is. De cinematografie van Andrew Droz Palermo is opvallend en het kostuumontwerp van Annell Brodeur slaagt erin de klassieke witte lakengeest terug te winnen op een manier die ik nooit zal vergeten. Een spookverhaal is een traag bewegende film, maar het flitst voorbij in een oogwenk, als een moment gevangen in de tijd. Het is een moment dat ik niet kan wachten om terug te komen.

Met Get Out kondigde Jordan Peele zichzelf aan als het volgende grote ding in de film, en het publiek reageerde verheugd. Ze reageerden omdat Peele's satire / horror-debuut begrijpt hoe het zijn idee kan communiceren op een manier die in je schedel graaft en je vasthoudt alsof je op de gezonken plek bent. De titel, Get Out, spreekt over hoe een zwart publiekslid zou kunnen reageren op een horrorfilm, en de openingsscène ziet een zwarte man beslissen om de overduidelijke horror te vermijden waar een blanke personage naartoe zou lopen met een vrolijke overgave in je gemiddelde horrorfilm. Dit is Peele die laat zien hoe erg de zwarte stem mist van horror, en het is waarom hij in staat is om de boodschap van zijn film vakkundig te communiceren, het is goed doordacht tot de tiende graad en niets is enger dan blanke mensen. Dit is een filmmaker die goed begrijpt wat hij wil zeggen en hoe hij dit kan communiceren. Er zijn maar weinig debuutfuncties die zo indruk maken, maar als Get Out aangeeft wat we van hem kunnen verwachten, zal Jordan Peele nog lang geweldige films maken.

Guadagnino boort ruwe menselijke emotie aan in Call Me By Your Name, aangepast uit de populaire roman van Andre Aciman. Het is een ontroerende blik op de leeftijd van een Joodse Amerikaanse jongen die in het Italië van de jaren 80 woont en zich het belang van liefde en verloren liefde realiseert. Guadagnino nodigt je uit om dichtbij te komen om te zien hoe Elio en Oliver voor elkaar vallen, alsof je een geheime aanbidder bent die van ver naar binnen kijkt. Dit wordt geholpen door een ontroerende soundtrack van Sufjan Stevens, wiens muziek de ziel doordringt en op zichzelf een personage wordt voor twee scènes. Het is een elegante film die niet bang is om je door pijn te helpen, maar hij weet dat liefdesverdriet de moeite waard is.

Netflix maakte dit jaar een grote plons met hun originele films. Ze hadden de bekroonde The Meyerowitz-verhalen en de ondraaglijk saaie kaskraker Bright, maar het echte hoogtepunt van wat Netflix in staat is, was Okja, de nieuwste film van The Host en Snowpiercer-regisseur Bong Joon-ho. Met een scenario geschreven door Jon Ronson, is Okja een uitstekend commentaar op onze relatie met de dieren die we eten. Aan de ene kant behandelen we ze onmenselijk, maar aan de andere kant zijn we menselijk en eten van vlees is volkomen natuurlijk en niets om je voor te schamen. Als de film ergens zeker van is, zal het nooit mooi zijn, ongeacht hoe je het hebt. Kapitalisme kan niet aardig zijn en veganisme kan niet oplossen wat er gebeurt met wezens zoals Okja, het schattige gigantische varken in het centrum van de film. Het is een film die geen studio zou maken, maar Netflix was bereid om het leven te geven, en niets ziet er beter uit dan een dergelijke film te laten bestaan.

The Last Jedi herinnert me eraan waarom ik van Star Wars hou. Na Rogue One en de stortvloed van slecht nieuws uit de productie van Solo, werd het moeilijk om me te herinneren waarom ik ooit enthousiast was voor meer Star Wars dan ik ooit zou kunnen voorstellen. Maar Rian Johnson weet dat dingen moeten worden opgeschud, en zijn generatie-achtige 8e voorgerecht doet precies dat. Het is een perfect voorbeeld van een film die je geeft wat je nodig hebt en niet wat je wilt. Thematisch is het de rijkste die de franchise sinds de originele trilogie is geweest en laat je de hele verwaandheid van wat Star Wars is en kan zijn in twijfel trekken. Het is geweldig van start tot finish en ik zie het gemakkelijk worden vastgehouden met The Empire Strikes Back naarmate de tijd vordert.

Ik had geweigerd dat dit iets anders dan een vergissing had kunnen zijn. Je kunt geen vervolg op Blade Runner-werk maken, de originele film eindigt op een opzettelijke dubbelzinnige toon. Er is niets meer te vertellen. Wat Blade Runner 2049 doet om dit te verhelpen, is dat het niet het verhaal van Deckard volgt. Hij is er, maar de film gaat niet om zijn lot. In plaats daarvan richt het zich op de replicant die bekend staat als K en zijn plaats in de wereld. Door het verhaal te heroriënteren van de onderdrukker naar de onderdrukte, kan Villeneuve voortbouwen op de thematische basis die Ridley Scott decennia geleden heeft gelegd en meer manieren vinden om te ontdekken wat het zelfs betekent om mens te zijn. Overeengekomen met de verbluffende cinematografie van Roger Deakins en een score die niet probeert het origineel te heroveren, maar opnieuw te contextualiseren wat dat geluid zal worden naarmate de wereld drukker en depressiever wordt, is Blade Runner 2049 een tour de force van uitzonderlijk filmmaken.

Coco is zoals je gebruikelijke Pixar-film. Het heeft de felle kleuren en leuke karakters die het een genot voor het hele gezin maken. Maar net als de meeste Pixar-films, is er ook een onderliggend hart dat het kop en staart boven de rest plaatst. De film is vernoemd naar de grootmoeder van hoofdrolspeler Miguel. Het is niet genoemd naar de Dag van de Doden of de muziek waar Miguel geobsedeerd door is, het is vernoemd naar een personage dat nauwelijks op het scherm verschijnt. Het belang van dat karakter, en het belang van familie in het midden van de film is echter monumentaal en wat het bijzonder maakt. Dit is een film doordrenkt van liefde en wat het betekent om deel uit te maken van een gezin en de grotere erfenis van dat gezin binnen een cultuur. Coco's visie op het Land van de Doden is betoverend in de uitvoering ervan en het is lovenswaardig dat Pixar nog steeds in staat is om met hun animatie te wow wanneer het lijkt dat je het medium niet verder kunt duwen. Maar ik denk dat we kunnen ontspannen, want als ze nog steeds films maken die zo geweldig zijn als Coco, hoef je je nergens zorgen over te maken.

Lady Bird van grote Gerwig legt de veranderende emoties van het leven vast als een tiener die op het punt staat uit te stappen en je eigen persoon te zijn. Wat het onderscheidt van de meeste films in dit genre, is de verfrissende eerlijkheid. Lady Bird staat voor harde lessen, maar ze leert niet altijd, en soms weet ze niet wat ze echt wil totdat het haar voorbijgaat. Tieners hebben een goed idee van wat belangrijk is, maar kunnen het grotere plaatje nog niet zien. De film van Gerwig geeft die tijd in het leven een flits van 90 minuten voor je ogen die je ontsnapt als de jeugd ons allemaal doet. De film bevat uitstekende uitvoeringen van zowel Saoirse Ronan als Laurie Metcalf en stelt hen in staat om de diepte van hun moeder-dochterrelatie te verkennen. De moeder van Lady Bird is niet altijd zo zorgzaam als ze lijkt, maar ze geeft echt om haar dochter, de omstandigheden zijn gewoon onkuis. Lady Bird houdt echt van haar moeder, maar haar lot in het leven maakt het moeilijk voor haar om te zien waarom haar moeder doet wat ze doet. Het is emotioneel verwoestend als je voor het eerst van huis gaat. Zelfs als je goed met zulke situaties omgaat, is er altijd een belangrijke verandering, en Lady Bird slaagt door te tikken in wat die verandering doet resoneren.

Kleur me verrast, niet alleen verwachtte ik niet dat Don Hertzfeldt een vervolg zou maken op World of Tomorrow, gemakkelijk een van de beste films van het decennium, maar hij maakte er ook een die er bij past in zijn existentiële verkenning. Die film is World of Tomorrow - Episode 2: The Burden of Other People's Thoughts. Die titel is een beetje een mond vol, maar dat geldt ook voor de gedachten van andere mensen. Hertzfeld is, via zijn unieke gevoel voor humor en minimalistische animatie, in staat om zich te verdiepen in de menselijke psyche en te verkennen hoe we in het verleden leven en op te hangen in onze eigen herinneringen en die van anderen. Het is geen film die ik plot-precies kan uitleggen, het is er een die je moet zien ... zo'n 50 keer. Hertzfeldt zou 30 World of Tomorrow-films kunnen maken en ik zou ze bekijken, als ze zelfs op afstand zo goed zijn als deze twee films, zouden ze de moeite waard zijn.

Tot mijn kern geschud is hoe ik het emotionele middelpunt van deze Noorse thriller die Carrie op meer dan één manier oproept, het beste kan beschrijven (het is ook topper! Voor de meest gruwelijke scène met een baby). Thelma concentreert zich op een jonge student die haar religieuze opvoeding probeert te verwerken terwijl ze verliefd wordt op een andere vrouw. Wat ze zich niet realiseert, maar wat langzaam duidelijk wordt, is dat Thelma geen gewone vrouw is. Ze vreest Gods wil vanwege haar liefde, maar om het te overwinnen, zou ze misschien gewoon zelf een god worden. De film van Trier is gespannen op manieren die maar weinig films aankunnen. Het heeft een klassieke Hitchcock-benadering voor het bouwen van scènes, maar voegt een element van mysterie toe. Neem bijvoorbeeld een scène die zich afspeelt in een operahuis. Thelma's verlangen groeit met de minuut sterker, maar we weten nog niet helemaal wat ze kan doen, maar je kunt voelen dat ze iets kan doen. Naarmate de show vordert, zie je dat het plafond begint te trillen en de stuiptrekkingen van Thelma groeien. Wat gaat er gebeuren? Gaat het plafond instorten? Is dat iets dat ze kan doen? Trier houdt wijselijk zijn kaarten dicht bij zichzelf om prachtige momenten zoals deze te creëren, en weinig films waren dit jaar zo boeiend als Thelma.

Dawson City: Frozen Time is een fascinerende film om uit te leggen, maar het is des te meer om te bekijken. In 1978 werden 533 films ondergronds ontdekt in Dawson City, Canada, maar velen waren echter verloren. Documentaires Bill Morrison neemt die films om een ​​verhaal te maken over de geschiedenis van Dawson City zelf, met behulp van archieffoto's en de films die zijn ontdekt om het verhaal te vertellen. Maar de ontdekte films waren niet noodzakelijkerwijs beelden van de stad zelf. Dawson City was de laatste halte voor filmdistributie toen de filmindustrie begon, met films die 3 tot 4 jaar na hun première arriveerden. Wat Morrison doet, is dat hij deze films gebruikt om de emoties in de loop van decennia uit te drukken (zoals het hebben van filmscènes voor belangrijke momenten, passend bij stemming en toon), waarbij zowel de ups en downs van Dawson City worden vastgelegd, maar ook die van het land. Het is een diep ontroerende film die bijna volledig werkt omdat het bevroren moment in de tijd dat het onthult zowel belangrijk als uitputtend is. Dawson City was het centrum van de Alaskan Gold Rush, waar fortuinen werden gemaakt, maar de meeste bleven zonder geld. Dit wordt verder weerspiegeld door de aard van de film zelf. Zoals de film zegt, werd film geboren uit een explosie en vloog oude filmvoorraad vaak in brand. Terwijl film inkomsten opleverde voor Dawson City, kostten de branden die het veroorzaakte meer dan ze evenveel. Morrisons film is een boeiende tijdcapsule die ons veel kan vertellen over onze geschiedenis en hoe sommige dingen nooit veranderen.

Er is geen filmmaker zo cool als Sean Baker. De man achter Tangerine weet hoe hij zowel verlichting in een fles kan vangen qua entertainment als hoe hij onder het oppervlak kan graven om echte mensen te vinden. Misschien is het omdat hij opzettelijk fotografeert met no-name acteurs en streeft naar een gevoel van realisme, maar het Florida Project bewijst dat zelfs het toevoegen van grote acteurs en het kiezen voor een meer gestileerd productieontwerp, de unieke stem van Sean Baker nog steeds doorkomt. De film is een kijk op het leven net buiten de tweede gelukkigste plek op aarde (Disneyland is de gelukkigste, Disneyworld is de tweede). Als Disneyworld de fantasie is, dan is het Magic Castle Hotel de realiteit. Dat maakt de film niet minder magisch, want we zien het allemaal door de ogen van de zes jaar oude Moonee, die zalig is zich niet bewust van haar lot in het leven. Ze is gewoon een kind dat plezier heeft. Haar moeder doet dingen die als onbetamelijk worden beschouwd voor een moeder, maar ze houdt echt van haar dochter en vaak zijn haar keuzes de beste opties om Moonee te helpen. Op de achtergrond is Bobby Hick, met Willem Dafoe die een carrière de beste prestatie gaf, voor hen uitkijkend terwijl hij ook te maken kreeg met het harde feit dat dit leven ruw is en hen zal inhalen. Er is een verlangen om te ontsnappen aan deze moeilijke realiteit, en het Florida Project is een verkenning van hoe we dat proberen te doen, afgetopt met de meest verbazingwekkende laatste slootreddingsactie in de filmgeschiedenis. Gelijk aan een werkelijk prachtig productieontwerp en de uitzonderlijke cinematografie van Alexis Zabe, heeft Sean Baker een meesterwerk gemaakt. Het is een film die je gewoon moet zien, en je zult hem meteen na het afronden opnieuw willen bekijken.

Niemand ziet de wereld precies zoals Guillermo Del Toro dat doet, en zolang hij films maakt, zal er altijd iets speciaals in deze wereld zijn. Zijn nieuwste film, The Shape of Water, overbrugt de stilistische kloof van zijn Mexicaanse horrorfilms en zijn Amerikaanse blockbusters. Het is een sprookjesachtige romance voor volwassenen verteld met een stem die alleen Del Toro kan spreken. Neem bijvoorbeeld een droomreeks die teruggrijpt naar oude musicals waar onze hoofdrolspeler danst met haar man-vissenliefhebber (hij heeft tenslotte een mooie kont). Deze reeks is volkomen surrealistisch en verbazingwekkend, maar het is volkomen logisch in het kader van het verhaal en de tijdsperiode. Je zou nooit in staat zijn geweest om die stukjes in je hoofd samen te voegen als je dit verhaal zou krijgen om jezelf te maken, maar Del Toro deed dat en daarom is deze film speciaal. Het beeldt waarschijnlijk de meest gezonde relatie af die in enkele jaren op het scherm is afgebeeld en duikt in de echte menselijke schurken die onder ons bestaan. Del Toro vertelt ons zoveel over onze wereld door de zijne te navigeren. Of het nu het fascisme is in Pan’s Labyrinth of de American Dream in deze film, het doel van Del Toro is altijd waar. The Shape of Water is een sprookje als geen ander, een prachtig stuk werk dat alleen een echte meester van de cinema kan maken, en Del Toro bewijst nogmaals dat hij de echte deal is.

Deze film heeft nog geen distributie terwijl ik dit schrijf. Het heeft een prachtige festivalloop gehad, maar geen enkele studio is bereid geweest om het aan te raken met een 10 voet paal. Het lijkt erop dat het nu een soort release in 2018 zal zien, en je zou het allemaal moeten zien, omdat Bodied van Joseph Kahn een van de meest explosieve functies in jaren is. De film volgt de universiteit van Adam, die zijn scriptie wil schrijven over battle rap. De rappers zien hem als een blanke jongen die het N-woord wil zeggen, maar zijn verrast om te ontdekken dat hij zelf een behoorlijk dope rapper is. Maar uiteindelijk is hij waarschijnlijk nog steeds een blanke jongen die het N-woord wil zeggen. Het zou eenvoudig zijn om Bodied een berisping van de pc-cultuur te noemen, ook al wordt het aangeraakt. Bodied is een take no prisoners-film die iedereen en iedereen op volle toeren zet. Het is een verkenning als gevechts rap als een medium om taboes en veilige ruimtes uit te dagen, maar is toch ook een veilige ruimte op zichzelf? Geen enkele andere film kan het voor elkaar krijgen als de ogenschijnlijke hoofdrolspeler als mens erger wordt naarmate hij dichter bij zijn uiteindelijke doel komt, maar Kahn haalt het uit met vlag en wimpel. De beste film van het jaar moet volgens mij altijd de tijden weerspiegelen. Het moet tot een groter geheel spreken en de stand van zaken weerspiegelen. Een paar jaar geleden was dat bijvoorbeeld het sociale netwerk, dat slim naar onze interacties in het sociale medialandschap keek door diegenen te ontleden die ons daar hebben gebracht. Bodied is die film voor 2017, en hij is luid en trots. Het is een verademing die alles van witheid tot ontwaakte cultuur onderzoekt. Het stelt dat grenzen bedoeld zijn om verlegd te worden, maar grenzen bestaan ​​in feite en wanneer je die grens overschrijdt, kun je beter klaar zijn om te groeien. Er zijn adembenemende momenten in overvloed en geen film was bijna zo vermakelijk als Kahn's opus. Als je op zijn minst één aspect in vraag stelt over hoe je met elkaar praat of nadenkt over je vooroordelen over sommige van deze onderwerpen nadat je het hebt gezien, lieg je tegen jezelf. Het is ongemakkelijk, het is grappig, het is sensationeel, maar bovenal is het de beste film van 2017.